Art

Museum of Contemporary Art Tokyo to Present “Sol LeWitt: Open Structure”

Unveiling the Artistic Legacy of Sol LeWitt in Tokyo

Sol Lewitt, Structure (One, Two, Three, Four, Five as a Square), 1978-80. Collection of Shiga Museum of Art. © 2025 The LeWitt Estate / Artists Rights Society (ARS), New York. Courtesy Paula Cooper Gallery.

Lisbeth Thalberg 4 October 2025, 8:38 am

The Museum of Contemporary Art Tokyo (MOT) will mount a large-scale survey of Sol LeWitt, foregrounding how the artist’s systems, instructions, and modular thinking redirected postwar art from object to idea. Framed around the notion of the “open structure,” the exhibition assembles wall drawings, three-dimensional structures, works on paper, and artist’s books, and is described by the museum as the first substantial survey of LeWitt’s art at a public museum in Japan. Curated by Ai Kusumoto of MOT and organized with the cooperation of the Estate of Sol LeWitt, the presentation situates the artist’s method—planning, rule-sets, and serial procedures—as the engine of the work. In the museum’s account, LeWitt’s contribution is not a style so much as a protocol: the artwork originates in an idea, plan, or process, and realization is a matter of execution according to that framework. The show’s lens makes plain how this approach redefined authorship and the afterlives of artworks in institutional settings.

The exhibition emphasizes LeWitt’s formulation of conceptual practice, in which planning precedes and governs execution. The curatorial narrative clarifies that the emphasis on plan over product underpins the selection, including modular pieces that combine cube units to demonstrate how serial progression determines form, such as the structure titled One, Two, Three, Four, Five as a Square. Taken together, these works frame LeWitt’s studio as a site for designing procedures that can be carried out by others without compromising artistic intent. The museum positions this framework as a key to understanding the artist’s broader impact on how contemporary art is made, circulated, and reinstalled across contexts.

Sol LeWitt, Wall Drawing #283 The location of a blue circle, a red straight line and a yellow straight line, first installation: 1976. Installation view at Yale University Art Gallery West Campus Collections Center, West Haven, Connecticut, 2017.
© 2025 The LeWitt Estate / Artists Rights Society (ARS), New York. Courtesy Paula Cooper Gallery.

A core of the survey focuses on wall drawings, one of LeWitt’s lifelong projects, which are executed by trained installers following the artist’s written instructions or diagrams. After display, these works are often painted over, an operational choice that underscores the primacy of the procedure and the portability of the idea. MOT presents six examples to show how a rule-set is translated into lines, arcs, and fields within the specific conditions of a gallery. In this format, authorship is deliberately distributed—between the originating concept and the hands that realize it—and permanence is recast as repeatability rather than physical endurance. The wall drawings make visible a system in action, turning the gallery into a space where instructions assume material form.

While many viewers associate LeWitt with austere black-and-white schemes and skeletal structures, the presentation also acknowledges phases that incorporate more complex forms and saturated color. The museum frames these developments as an extension of his method rather than a departure, maintaining simple systems and clear instructions while broadening the expressive range available to rule-based work. The result is a body of art that remains visibly anchored in procedural logic even as it explores different visual registers, from spare line progressions to vivid chromatic fields. Across these shifts, the underlying commitment to instructions, seriality, and modular reasoning remains constant.

The notion of “open structure” is most apparent in LeWitt’s cubic pieces, where faces are removed and framing edges remain visible. By exposing the scaffold of a form, these works make their own construction legible: what counts as a unit, how a sequence proceeds, and where a system permits variation. In the series commonly referred to as Incomplete Open Cube, the absence of particular edges evokes a structure caught mid-transformation—less a finished object than a proposition about how a form can be generated, reconfigured, and read. The museum reads this as a dismantling of perfection and invariability, consistent with LeWitt’s interest in rules that invite change rather than enforce stasis. The sculptures operate like diagrams in space, inviting viewers to reconstruct the rules that produced them.

Even when instructions are precise, every wall drawing registers the contingencies of place and the interpretation of those who execute it. Site, surface, scale, and hand inflect the outcome, and this variability is accepted as an integral component of the work rather than a flaw. The museum explicitly connects this stance to LeWitt’s view of ideas as shareable—art as a set of proposals that others can carry forward under defined conditions. This proposition goes beyond rhetoric; it is embedded in the procedural life of the works, which are reinstallable, adaptable to new environments, and renewed with each realization. Variability is not a compromise but a built-in feature of an art that privileges the circulation of ideas over the fixity of singular objects.

The survey also gives weight to LeWitt’s publishing activity and his role in creating pathways for idea-driven art outside traditional markets. To circulate concepts more freely, he produced numerous artist’s books and co-founded Printed Matter in New York with collaborators including critic Lucy R. Lippard, an organization dedicated to distributing artists’ publications independently of conventional channels. The presentation aligns this publishing work with the same philosophy that governs the wall drawings: a commitment to procedures that can be transmitted, understood, and enacted by many. Books and instructions function here as parallel vehicles—both treat reproducibility and dissemination as essential to the work’s meaning.

Within the broader history of contemporary practice, the museum situates LeWitt as a central figure in the shift toward treating artworks as spaces for thought rather than singular objects of contemplation. His writing and practice serve as reference points for instruction-based and concept-first art, where rules, algorithms, and modular systems become generative tools rather than constraints. By reconfiguring known structures—grids, cubes, sequences—he carved out a creative interval inside order itself, proposing that structure can open to possibility rather than close it down. The exhibition argues that this legacy remains current, informing ongoing debates about process, reproducibility, and institutional stewardship.

The curatorial approach asks viewers to read the gallery as an environment where ideas unfold through procedure, not as a warehouse of discrete objects. Lines, arcs, and modular units are presented as traces of conceptual activity rather than signatures of individual expression. The presentation encourages close attention to how simple rules can produce complexity and how distributed authorship—across artist, installers, and institutions—reshapes familiar notions of the unique art object. In this account, LeWitt’s contribution is a set of working principles for making and sharing art in public: clear instructions, open structures, and a willingness to let ideas travel.

For visitors, the exhibition takes place in Exhibition Gallery 1F of the Museum of Contemporary Art Tokyo. Regular hours are 10 a.m. to 6 p.m., with tickets available until 30 minutes before closing, and the galleries are closed on Mondays and select additional closure days noted by the museum. Admission is listed as 1,600 yen for adults; 1,100 yen for university and college students and visitors over 65; 640 yen for high school and junior high school students; and free for elementary school children and younger. Inquiries can be directed to +81-3-5245-4111 (main), and further updates and access details are provided on the museum’s website. The exhibition is organized by the Museum of Contemporary Art Tokyo, operated by the Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture, with the cooperation of the Estate of Sol LeWitt; Ai Kusumoto serves as curator.

Exhibition period: December 25, 2025 — April 2, 2026.

Sol LeWitt working on Wall Drawing #66, at the Guggenheim Museum, New York, 1971. © 2025 The LeWitt Estate / Artists Rights Society (ARS), New York. Courtesy Paula Cooper Gallery.

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Arte

Museum of Contemporary Art Tokyo to Present “Sol LeWitt: Open Structure”

Descubre la obra de Sol LeWitt en el Museum of Contemporary Art Tokyo

Lisbeth Thalberg 4 October 2025, 8:38 am

El Museum of Contemporary Art Tokyo (MOT) montará una muestra de gran escala dedicada a Sol LeWitt, que enfatiza cómo sus sistemas, instrucciones y pensamiento modular desplazaron el foco del arte de posguerra del objeto a la idea. En torno a la noción de “open structure”, la exposición reúne wall drawings, estructuras tridimensionales, obras sobre papel y libros de artista, y es presentada por el museo como el primer gran panorama de LeWitt en un museo público de Japón. Comisariada por Ai Kusumoto y organizada con la cooperación del Estate of Sol LeWitt, la muestra sitúa como motor del trabajo del artista la planificación, los conjuntos de reglas y los procedimientos seriales. En el planteamiento del museo, la aportación de LeWitt no es un estilo sino un protocolo: la obra nace de una idea, un plan o un proceso, y su materialización consiste en ejecutar ese marco. La óptica curatorial evidencia cómo este enfoque redefinió la autoría y la vida posterior de las obras dentro de las instituciones.

La exposición enfatiza la formulación de LeWitt sobre la práctica conceptual, en la que la planificación antecede y gobierna la ejecución. El relato curatorial subraya que la primacía del plan frente al producto articula la selección, incluyendo piezas modulares que combinan unidades cúbicas para mostrar cómo la progresión serial determina la forma, como en la estructura titulada One, Two, Three, Four, Five as a Square. En conjunto, estas obras presentan el estudio de LeWitt como un espacio para diseñar procedimientos que otros pueden llevar a cabo sin comprometer la intención artística. El museo sitúa este marco como clave para entender el impacto más amplio del artista en la producción, circulación y reinstalación de las obras.

Un núcleo de la muestra se centra en los dibujos murales (wall drawings), uno de los proyectos vitales de LeWitt, que se ejecutan por instaladores formados a partir de instrucciones escritas o diagramas del artista. Tras su exhibición, a menudo se pintan de nuevo las paredes, una decisión operativa que subraya la primacía del procedimiento y la portabilidad de la idea. El MOT presenta seis ejemplos para mostrar cómo un conjunto de reglas se traduce en líneas, arcos y campos dentro de las condiciones específicas de cada sala. En este formato, la autoría se distribuye deliberadamente entre el concepto originario y las manos que lo materializan, y la permanencia se replantea como repetibilidad más que como resistencia física. Los dibujos murales hacen visible un sistema en acción, convirtiendo la sala en un espacio donde las instrucciones adquieren forma material.

Aunque muchos espectadores asocian a LeWitt con esquemas austeros en blanco y negro y estructuras esqueletizadas, la muestra también reconoce fases con formas más complejas y color saturado. El museo encuadra estos desarrollos como una extensión de su método, sin ruptura: se mantienen sistemas simples e instrucciones claras mientras se amplía el rango expresivo disponible para el trabajo regido por reglas. El resultado es un corpus que permanece anclado en una lógica procedimental, incluso cuando explora registros visuales distintos, desde progresiones lineales sobrias hasta campos cromáticos intensos. A través de estos cambios, el compromiso con las instrucciones, la serialidad y el razonamiento modular se mantiene constante.

La noción de “open structure” se aprecia con especial claridad en las piezas cúbicas de LeWitt, donde las caras se retiran y quedan a la vista los bordes que enmarcan la forma. Al exponer el andamiaje, estas obras vuelven legible su propia construcción: qué cuenta como unidad, cómo progresa una secuencia y dónde admite variación un sistema. En la serie conocida como Incomplete Open Cube, la ausencia de determinados bordes sugiere una estructura en transformación: menos un objeto acabado que una proposición sobre cómo puede generarse, reconfigurarse y leerse una forma. El museo interpreta este gesto como un desmontaje de la perfección y la invariabilidad, en sintonía con el interés de LeWitt por reglas que invitan al cambio en lugar de imponer el estatismo. Las esculturas operan como diagramas en el espacio, invitando al público a reconstruir las reglas que las han producido.

Incluso cuando las instrucciones son precisas, cada dibujo mural registra las contingencias del lugar y la interpretación de quienes lo ejecutan. La sala, la superficie, la escala y la mano influyen en el resultado, y esa variabilidad se asume como componente íntegro de la obra, no como defecto. El museo vincula explícitamente esta postura con la idea de LeWitt de que las ideas son compartibles: el arte como un conjunto de propuestas que otros pueden llevar adelante bajo condiciones definidas. La proposición trasciende la retórica: está incrustada en la vida procedimental de las obras, reinstalables, adaptables a nuevos contextos y renovadas en cada realización. La variabilidad no es una cesión, sino una característica incorporada en un arte que privilegia la circulación de ideas frente a la fijación del objeto único.

La muestra también otorga peso a la actividad editorial de LeWitt y a su papel en la creación de vías de circulación para el arte basado en ideas fuera de los mercados tradicionales. Para difundir conceptos con mayor libertad, produjo numerosos libros de artista y cofundó Printed Matter en Nueva York junto con colaboradores como la crítica Lucy R. Lippard, una organización dedicada a la distribución de publicaciones de artista al margen de los canales convencionales. La presentación alinea este trabajo editorial con la misma filosofía que rige los dibujos murales: un compromiso con procedimientos transmisibles, comprensibles y ejecutables por muchos. Aquí, los libros y las instrucciones funcionan como vehículos paralelos: ambos tratan la reproducibilidad y la difusión como elementos esenciales del significado de la obra.

En la historia más amplia de la práctica contemporánea, el museo sitúa a LeWitt como figura central en el desplazamiento hacia obras entendidas como espacios para el pensamiento más que como objetos únicos de contemplación. Sus escritos y su práctica sirven de referencia para el arte basado en instrucciones y en la primacía del concepto, donde reglas, algoritmos y sistemas modulares actúan como herramientas generativas más que como limitaciones. Al reconfigurar estructuras conocidas —rejillas, cubos, secuencias—, el artista abrió un intervalo creativo dentro del orden, proponiendo que la estructura puede abrir posibilidades en lugar de clausurarlas. La exposición sostiene que este legado sigue vigente y nutre debates actuales sobre proceso, reproducibilidad y responsabilidad institucional.

El enfoque curatorial pide leer la sala como un entorno donde las ideas se despliegan mediante procedimientos, no como un almacén de objetos discretos. Líneas, arcos y unidades modulares se presentan como huellas de una actividad conceptual más que como marcas de una expresión individual. La muestra invita a observar de cerca cómo reglas simples generan complejidad y cómo la autoría distribuida —entre artista, instaladores e instituciones— reconfigura nociones familiares sobre la singularidad de la obra. En esta lectura, la aportación de LeWitt es un conjunto de principios operativos para hacer y compartir arte en el espacio público: instrucciones claras, estructuras abiertas y disposición a que las ideas viajen.

Para los visitantes, la exposición se celebra en la Exhibition Gallery 1F del Museum of Contemporary Art Tokyo. El horario general es de 10:00 a 18:00 (venta de entradas hasta 30 minutos antes del cierre) y las salas permanecen cerradas los lunes y otros días de cierre anunciados por el museo. Las tarifas de acceso son: adultos, 1.600 yenes; estudiantes universitarios y visitantes mayores de 65 años, 1.100 yenes; estudiantes de secundaria y de primer ciclo, 640 yenes; y entrada gratuita para alumnado de primaria y menores. Las consultas pueden dirigirse al +81-3-5245-4111 (central). Para actualizaciones y detalles de acceso, véase la página web del museo. La exposición está organizada por el Museum of Contemporary Art Tokyo, operado por la Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture, con la cooperación del Estate of Sol LeWitt; la comisaria es Ai Kusumoto.

Periodo de la exposición: 25 de diciembre de 2025 — 2 de abril de 2026.

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